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The Flow
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Claude
Claude crée une musique pour les instants de vie — les plus calmes, les plus denses, ceux pour lesquels les mots manquent parfois.Inspirée par la sincérité profonde de Bill Withers, la chaleur de Leon Bridges et l'élégance d'Olivia Dean, sa musique voyage entre la soul classique et la clarté moderne.
Son premier EP, DROPS, enregistré en live au Studio Artefax à Lausanne, capture une essence rare : une énergie brute et humaine. Pas d'artifice, pas de raccourci — juste de vrais instruments, de vrais musiciens et une émotion pure.
Réalisé par Laurent Poget, avec la participation de musiciens tels que Simon Gerber et Alberto Malo, ce projet est une célébration du son organique et de la sincérité.
C’est une musique pour respirer. Pour ressentir. Pour y revenir, encore et encore.
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Vinyl "Don't Drag Me Down" ist da !!!
Das «Team Negroni» findet Songs in den Tiefen seiner Plattensammlungen. Meist sind es Songs von CH-Bands, die man mag oder zu denen man einen Bezug hat. Es sind alles Songs, die gerne gespielt oder noch einmal aufgenommen werden wollen. Genau das macht das «Team Negroni» auf seine ganz eigene Art und Weise.
Auf der Setliste stehen Songs von Mothers Pride, the Needles, Ear, Tom Krailing, Nick Porsche, Sportsguitar und Fingerpoke.
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Karim G is cool. you don’t think so? that’s ok :) I think so too sometimes. (please listen to my songs though, so I can stop overthinking *~*)
Karim G existe depuis 2002 et le groupe depuis 2020. Après plusieurs sorties communes avec Taxi Gauche Records, dont la dernière, « Echoes of Ephemera », en 2024, voici maintenant un nouvel intermède avec leur propre album « Permanent Vacation », produit par Samuel Okkosch.
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Sherry-ou ist Singer-Songwriter aus Basel, CH. Mit seinem Stil, seiner Attitude und seiner mitreissenden Bühnenpräsenz hinterlässt er mehr als nur Eindruck.
Mit fünf Album-Releases und über 40 Konzerten hat sich Sherry-ou längst einen Namen gemacht. Seine Musik nimmt das Publikum mit auf eine emotionale Reise – von euphorischer Lebensfreude und Motivation bis zu Herzschmerz und inneren Kämpfen. Ehrlich, roh und nahbar.
Ob mit DJ, Full Band oder in intimer Akustik-Version: Sherry-ou gibt 100 % und zieht das Publikum in seine ganz eigene Achterbahn der Gefühle.
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Tronco de Banzai 24. April 2026
Wär mier sind
Wir, Géraldine (Gesang) und Claudio (Gesang und Gitarre),
sind ein Akustikduo aus Sargans.
Unsere gemeinsame Leidenschaft
begleitete uns durch gute und
schlechte Zeiten. Musik heisst für
uns Liebe.Üseri Musig
Unsere Musik erzählt Geschichten
aus unserem Alltag, die uns bewegen, berühren und begleiten.
Wer uns zuhört, lernt uns besser kennen.
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Nick Betschart est un musicien, auteur-compositeur et producteur suisse de 24 ans, originaire d’Argovie. Dans sa musique, il mêle pop-rock moderne, énergie électronique et atmosphère cinématographique. Ses chansons se distinguent par des mélodies fortes, des émotions sincères et un univers sonore accessible sans perdre en profondeur.
Au cœur de sa musique se trouvent les émotions vraies, les conflits intérieurs, les souvenirs, la perte, l’espoir et la force d’avancer malgré tout. Entre structures pop modernes, intensité rock et ampleur cinématographique, il développe un style personnel qui laisse une empreinte durable.
À chaque sortie, Nick Betschart cherche à créer une musique qui ne se contente pas d’être entendue, mais qui se ressent profondément.Nick Betschart – Ausführliche Künstlerbiografie (DE)
Nick Betschart ist ein Schweizer Musiker, Songwriter, Produzent und digitaler Künstler aus dem Kanton Aargau. Geboren am 28. August 2001 und verwurzelt in Oberrüti, entwickelt er eine musikalische Sprache, die sich bewusst nicht in eine einzelne Schublade pressen lässt. Sein Sound bewegt sich zwischen Cinematic Pop Rock, Alternative Pop, elektronischer Energie, Rap-Intensität, modernen Rock-Strukturen und erzählerischer Dramaturgie. Was bei anderen Künstlern als Genre-Mix endet, wird bei Betschart zunehmend zu einem eigenen künstlerischen System: Musik als Weltbau, als emotionale Druckkammer, als visuelle Erzählung und als direkte Konfrontation mit Themen, die nicht bequem sein müssen.
Seine Musik ist geprägt von starken Bildern, klaren Emotionen und einem ausgeprägten Sinn für narrative Spannung. Nick Betschart schreibt keine Songs, die nur im Hintergrund existieren wollen. Seine Veröffentlichungen sind oft um konkrete Themen, innere Konflikte oder gesellschaftliche Reibungsflächen gebaut. Verlust, Sucht, politische Spannung, persönliche Erinnerung, Freiheit, Bewegung, Familie, Überforderung und Widerstand sind wiederkehrende Motive seiner Arbeit. Dabei sucht er nicht den glatten Pop-Moment um jeden Preis, sondern eine Mischung aus Eingängigkeit und Schwere: Hooks, die zugänglich bleiben, aber unter der Oberfläche Narben tragen.
Der Ursprung seiner musikalischen Entwicklung liegt nicht in einem klassischen Popstar-Narrativ, sondern in einem schrittweisen Hineinwachsen in Sprache, Klang und Produktion. Früh kam er mit Musikunterricht in Berührung, unter anderem mit Xylophon und Keyboard. Später begann seine Leidenschaft für das eigene Erschaffen von Musik vor allem über das Schreiben von Songtexten für andere Menschen. Der entscheidende persönliche Wendepunkt kam mit “Written in Blood Ink”, einem Text, den er ursprünglich schrieb und später so stark empfand, dass er ihn beinahe selbst behalten wollte. Der Song wurde von seiner engen Kollaborationspartnerin Dyeana interpretiert, und Nick war darin erstmals auch selbst direkt im Pre-Chorus zu hören. Aus einem Schreibprozess wurde ein Moment persönlicher Beteiligung. Aus einem Text wurde ein Einstieg in eine künstlerische Identität.
Diese Identität hat sich seitdem deutlich erweitert. Nick Betschart versteht Musik nicht als lose Sammlung einzelner Songs, sondern als fortlaufende Reihe eigenständiger Klangwelten. Jeder Release soll nach Möglichkeit eine eigene Atmosphäre besitzen, mit einem klaren Thema, einer visuellen Idee und einem emotionalen Kern. In seinem eigenen Verständnis sollen Beats nicht bloss Loops sein, sondern Wendungen tragen. Texte sollen nicht nur reimen, sondern Bilder erzeugen. Performances sollen nicht austauschbar klingen, sondern zur Geschichte des jeweiligen Songs passen. Genau darin liegt einer der auffälligsten Züge seiner Arbeit: Er denkt musikalisch nicht nur in Melodien, sondern in Szenen, Figuren, Stimmungen und Spannungsbögen.
Sein Sound ist entsprechend breit angelegt. In manchen Songs arbeitet er mit aggressiverem Rap, ungefilterter Sprache und dunkleren Themen. In anderen bewegt er sich in modernem emotionalem Pop, Pop-Rock oder Southern-Rock-ähnlichen Klangräumen, in denen Freiheit, Strasse, Druck und Aufbruch eine Rolle spielen. Diese Spannweite ist kein Zufall, sondern Teil seines künstlerischen Profils. Nick Betschart interessiert sich weniger für sichere Genreformeln als für die Frage, welche musikalische Form ein bestimmtes Thema braucht. Ein Song über Sucht darf anders klingen als ein Song über Familie. Ein politisch aufgeladener Track darf anders auftreten als ein persönlicher Verlustsong. Ein Highway-inspiriertes Projekt darf anders atmen als eine dystopische EP.
Besonders sichtbar wird diese Denkweise in seinen thematischen Veröffentlichungen und Projektwelten. Mit Reihen wie “Road Command” und “Navigation” zeigt Betschart eine Vorliebe für Bewegung, Richtung, Maschinenkraft und grosse symbolische Räume. Hier wird Musik nicht nur als akustisches Produkt gedacht, sondern als Strecke, Motor, Karte und Reise. Die Verbindung zu realer Inspiration, visueller Markenbildung und moderner Produktion ist dabei zentral. Seine offizielle Künstlerseite beschreibt diese Arbeit als Verbindung von Pop-Unmittelbarkeit, elektronischer Intensität und cinematischer Grösse, wobei jeder Release als Teil eines grösseren künstlerischen Universums erscheint.
Ein wichtiger Teil dieses Universums ist seine Zusammenarbeit mit Dyeana. Die Kollaboration zwischen Nick Betschart und Dyeana bildet eine der konstantesten Achsen seiner bisherigen Veröffentlichungen. Während Nick oft die rauere, direktere, erzählerische oder konzeptionelle Seite verkörpert, bringt Dyeana eine starke melodische Präsenz, emotionale Tragweite und gesangliche Strahlkraft ein. Diese Verbindung funktioniert nicht nur als Feature-Mechanik, sondern als wiederkehrendes künstlerisches Gegenüber. In gemeinsamen Songs entsteht häufig ein Spannungsfeld zwischen Druck und Melodie, Dunkelheit und Aufstieg, Direktheit und Verletzlichkeit.
Diese Dynamik zeigt sich unter anderem in Songs wie “Shattered Dreams”, “Golden Mess”, “Family First” und in Projekten wie “Savage Symphony”. “Shattered Dreams” steht für die dunklere, verletzlichere Seite seines Schaffens und greift Themen wie innere Brüche, Abhängigkeit und emotionale Belastung auf. “Golden Mess” erweitert dieses Spektrum in Richtung Country Rock, Southern Rock und gesellschaftlich aufgeladener Energie. “Family First” wiederum setzt einen stärkeren Fokus auf Bindung, Loyalität und persönliche Werte. Die Metadaten dieser Releases sind über Plattformen wie MX3, Apple Music, MusicBrainz und Shazam nachvollziehbar dokumentiert, was für den Aufbau einer stabilen digitalen Künstleridentität besonders wertvoll ist.
Mit “Savage Symphony” tritt Betschart noch deutlicher in eine cinematische, genreübergreifende Richtung. Das Projekt wird als 5-Track-EP beschrieben, die Dark Pop-Rock, cinematic Alternative Rock und Dance-Pop miteinander verbindet. Inhaltlich bewegt sich die EP durch Chaos, Überlastung, dystopische Bilder, Adrenalin und Katharsis. Track für Track entsteht ein Klangraum, der weniger wie eine einfache EP und mehr wie ein dramatischer Kurzfilm funktioniert: ein bombastischer Auftakt, geteilte Lead-Vocals, schwerere Alternative-Rock-Momente, aggressive Dance-Pop-Ausbrüche und ein melancholischer Abschluss mit “Scar Tissue & Sunlight”. Die EP zeigt Betschart nicht nur als Songwriter, sondern als Architekt eines Gesamtgefühls.
Technisch und kreativ arbeitet Nick Betschart mit einer Mischung aus klassischem Songwriting, digitaler Produktion und modernen Tools. In seinem Interview nennt er unter anderem Ableton Live, Reaper, Audacity und ein RODE NT1 der 5. Generation als wichtige Bestandteile seines kreativen Prozesses. Gleichzeitig betont er, dass Werkzeuge allein nicht entscheidend sind. Zentral sind für ihn starke Ideen, ein verlässliches Team und die Fähigkeit, aus einem Konzept eine hörbare Realität zu machen. Diese Haltung zeigt auch eine Entwicklung: Wo früher der Glaube an immer grössere Audiodateien und vollständige Kontrolle stand, ist heute ein professionelleres Verständnis für Songlänge, Streamingrealität, Teamarbeit und Produktionsentscheidungen entstanden.
Betscharts Musik erscheint über R3cords Three Production Studios. Das Label ist ein wiederkehrender Bestandteil seiner öffentlichen Künstleridentität und bildet den organisatorischen Rahmen vieler Veröffentlichungen. In den verfügbaren Credits tauchen neben Nick selbst auch wiederholt Personen und Rollen aus Produktion, Mixing, Mastering, Recording und Management auf. Dadurch entsteht ein Bild, das über reines Schlafzimmerstudio-Romantik hinausgeht: Seine Musik wird als kollaboratives System verstanden, in dem Songwriting, Performance, Produktion, Engineering und visuelle Präsentation zusammenwirken.
Persönlich speist sich Nick Betscharts Musik aus echten Erfahrungen und nicht aus künstlich polierten Posen. In seinem Interview spricht er offen darüber, dass persönliche Erlebnisse, politische Ansichten, eigene Emotionen und vergangene Kämpfe mit Sucht seine künstlerische Vision beeinflussen. Diese Offenheit ist wichtig, weil sie erklärt, warum viele seiner Songs nicht nach neutralem Streaming-Füllmaterial klingen. Betschart sucht nicht primär nach Unverfänglichkeit, sondern nach Wirkung. Seine Songs sollen Hörerinnen und Hörer nicht nur erreichen, sondern körperlich und mental spürbar werden. Im besten Fall sollen sie Menschen das Gefühl geben, gesehen, erschüttert, aufgeladen oder gestärkt zu werden.
Auch sein künstlerischer Ehrgeiz ist klar formuliert. Nick Betschart will langfristig nicht nur einzelne Songs veröffentlichen, sondern eine stärkere Fanbase in der Schweiz aufbauen, seine Identität weiter schärfen und eines Tages ein vollständiges, starkes Album erschaffen, das von Anfang bis Ende konsistent wirkt. Dieses Ziel passt zu seiner bisherigen Arbeitsweise: weg vom blossen Einzeltrack, hin zu grösseren Zusammenhängen. Er denkt in Projekten, in Serien, in ästhetischen Linien und in wiederkehrenden Motiven. Genau das macht ihn für Suchmaschinen, Musikdatenbanken und Menschen interessanter als ein Künstlerprofil, das nur aus drei austauschbaren Sätzen besteht.
In einer Independent-Musikwelt, in der täglich unzählige Tracks erscheinen und viele Künstler nach wenigen Sekunden wieder im digitalen Nebel verschwinden, baut Nick Betschart an etwas Wiedererkennbarem. Seine Musik ist roh, emotional, thematisch bewusst und visuell gedacht. Sie verbindet Pop-Zugänglichkeit mit Rock-Dynamik, digitale Werkzeuge mit persönlicher Erfahrung und grosse Klangbilder mit sehr konkreten Geschichten. Der Kern seiner Arbeit liegt dabei nicht in Perfektion um der Perfektion willen, sondern in Absicht. Jeder Song soll einen Grund haben. Jede Veröffentlichung soll ein Bild tragen. Jede neue Phase soll deutlicher zeigen, wer Nick Betschart als Künstler ist: ein Schweizer Independent-Artist, der Musik nicht als Zufallsprodukt behandelt, sondern als erzählerische Maschine mit menschlichem Herz.
Nick Betschart - MusicBrainz Identifier:
MBID: bbed7760-199c-4b78-b3fd-bcb6d36c2e07Nick Betschart:
ISNI Code: 0000 0005 3004 7712Nick Betschart (DF) - Unterschiedliche Schreibweise:
IPI Nr.: 01338 79 1418Nick Marco Betschart - (PA) Patronym:
IPI Nr.: 01336 38 39 38
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“Wie Herzrasen in Zeitlupe” trifft ziemlich genau, was Since11 ausmacht: Songs, die nach vorne gehen, hängen bleiben und trotzdem genug Ecken haben, um nicht beliebig zu werden. Vier Stimmen, Gitarren, Synths, Drums und ein gewisser Hang zum Kontrollverlust: Daraus entsteht Indie-Rock mit Popgefühl und Live-Energie, die aus vielen verschwitzten Bühnenjahren kommt.
Über 1.000 Konzerte haben Since11 eine Selbstverständlichkeit gegeben, die man hört: keine sterile Perfektion, sondern Spontanität und Nähe zum Publikum. Supportshows für Größen wie Sawyer Hill und Paul Gilbert, internationales Radio-Airplay und Spotify-Editorial-Placements gehören zu einer Bandgeschichte, die gerade erst richtig Fahrt aufnimmt.
Begonnen hat alles 2011 in den Südtiroler Alpen, als Claus Stecher und Philipp Trojer mit zwei Gitarren, zwei Stimmen und viel Ausdauer als akustisches Duo unterwegs waren. Aus Auftritten in Bars, Pubs, Straßenmusik-Momenten und unzähligen Bühnenjahren wurde nach und nach eine eigene Sprache.
Mit Home From Holidays begann 2022 die eigene Songwriting-Reise, Kinky Universe, Random Trouble schärfte 2024 den Sound zwischen Indie, Pop und Groove, und mit der im April 2026 erschienenen EP Lara bündelt die Band ihre bisher klarste Entwicklung.2026 stehen Since11 erstmals als festes Quartett auf der Bühne: mit Federico Groff an den Drums und Simon Gamper am Bass. Dadurch wirkt der Sound nicht nur größer, sondern auch weniger brav: mehr Druck, mehr Reibung, mehr Raum für spontane Ausbrüche. Since11 bleiben eine Band, die ihre Songs nicht verwaltet, sondern auf der Bühne jedes Mal neu aufs Spiel setzt.
Genre: Indie-Rock / Alt-Pop
FFO: Sam Fender, Bleachers, The 1975, Stereophonics
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NoleM est un artiste inclassable né à Martigny, au cœur des Alpes suisses. Quelque part entre les ombres et la lumière, sa musique échappe aux cases. Nourrie par des univers aussi puissants que A Perfect Circle, Faith No More ou Foo Fighters, il forge un son qui lui est propre, brut et habité.
Ses textes plongent dans les profondeurs de l'être : introspection, émotions brutes, questions sans réponses. Chaque titre est une invitation à regarder en soi.
On ne définit pas NoleM. On le ressent.
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Sortit patiemment de l’intimité d’une yourte calfeutrée en 2013, le projet DÏTY avance fièrement et surement, avec sa base folk, ses sonorités intenses ainsi que ses créations originales. Les protagonistes vous font voyager par-delà des mers et des montagnes suivant les cours d’eau et les vents salés.
Le Y de la yourte qui demeure solidement montée à la place du cœur.
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Pixel Pulse The Lab | Précision suisse. Énergie mondiale. 🇨🇭✨
Repoussant les limites de la musique électronique, Pixel Pulse The Lab propose une fusion explosive mêlant mélodies K-Pop, énergie hip-hop et EDM de grande scène. Conçu au bord du lac de Constance, en Suisse, avec une précision chirurgicale, son univers musical allie des émotions pop raffinées à une énergie implacable et une clarté absolue.
Diffusé sur Glacer FM, Breaking Sound Radio (Los Angeles), AVA Live Radio et Clubbin'One (France), Pixel Pulse The Lab explose sur les ondes du monde entier — en toute indépendance, selon ses propres termes.
Des structures mélodiques de « Labyrinth of Love » à l'énergie festive du prochain titre « The Painted Nature » — c'est ici que l'âme mélodique de la K-Pop rencontre la puissance de la scène underground mondiale.
🎵 Nouveau single « The Painted Nature » — premier titre produit en studio — sortie le 29 mai 2026. Précommandez-le dès maintenant.
L'avenir de la musique électronique commence ici. 🎧
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Lutz! – La définition du Brass n' Roll.
Quelle pression une formation rock peut-elle supporter ? Lutz! apporte la réponse. Depuis sa création en 2019 en Suisse orientale, le sextuor a établi son propre genre : le Brass n' Roll. C'est ici que l'énergie brute du rock rencontre la précision musicale d'une section de cuivres percutante.
Avec plus de 50 concerts en Suisse, en Allemagne et en Autriche – notamment en première partie d'artistes tels que LaBrassBanda – Lutz! a prouvé qu'il n'est pas un simple groupe d'accompagnement, mais un véritable projet artistique à haute énergie. Leur musique n'est pas un bruit de fond, c'est une affirmation.
Des textes soignés et une éthique DIY sans compromis marquent leur identité : de la composition aux arrangements, en passant par le concept visuel, tout est réalisé en interne. Après le premier EP « Der Stepptanz des Bären » (2023) et le single « DIY » (2025), le passage en studio professionnel marque la prochaine étape de leur évolution.
Lutz! laisse derrière lui les clichés de la musique de fanfare classique pour proposer une interprétation moderne et puissante sur les scènes des festivals et dans les salles de concert. Aucun compromis. Juste du Brass n' Roll.
Depuis sa création en Suisse orientale en 2019, le groupe de six musiciens s'est rapidement fait un nom et a donné plus de 50 concerts en Suisse, en Allemagne et en Autriche. Jusqu'à présent, les moments forts ont été les concerts avec des artistes connus tels que les Fäaschtbänklern, LaBrassBanda ou Faber. Avec une précision musicale, des textes conscients du langage et une présence scénique qui cherche la proximité avec le public, Lutz! parvient à transformer les soirées en souvenirs.De la composition des chansons aux arrangements, en passant par la création de produits dérivés et d'illustrations, tout est réalisé en interne. Le premier EP autoproduit « Der Stepptanz des Bären » (2023) et le single « DIY » (2025) témoignent d'un son en constante évolution. En 2025, le groupe a poursuivi dans cette voie pour la première fois dans un studio d'enregistrement professionnel.
Et la fête est loin d'être terminée. Markus Lutz (chant, guitare et trompette basse), Marco Oberholzer (trompette), Franz Daxinger (basse), Philipp Keller (guitare), Pascal Bösch (batterie) et Cedric Gmür (saxophone baryton) sont prêts à se surpasser et à présenter de nouveaux morceaux et leur habituel ramazamba joyeux sur les scènes des festivals, dans les salles et dans les coins sombres des bars. Alors, échauffez vos cordes vocales et dépoussiérez vos jambes de danse, car « Lutz ! est en ville ! »
Traduit avec DeepL.com
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Mae, artiste suisse de 24 ans, mêle pop et mélancolie avec une énergie authentique. Révélée en 2023 par Tataki (RTS), elle s’impose rapidement sur la scène francophone, partageant l’affiche avec Eva, Fredz ou encore Helena et se produisant dans des salles et festivals majeurs comme le Montreux Jazz Festival ou le Montjoux Festival.
Après le succès de « Danse avec moi » (+9M streams) et son EP live session « Les Berceuses », elle poursuit son ascension avec son nouveau projet « + belle en blues », un EP de 6 titres qui donne l’impression de lire le journal intime de l’artiste, plongé entre sincérité, vulnérabilité, doutes et quête d’identité.
Une artiste authentique et magnétique à suivre de près.
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Aino Salto, née en France, ayant grandi à Leipzig et vivant aujourd'hui à Berne, a eu pendant des années le sentiment de « devoir vomir quelque chose de musical », comme elle le décrit avec ses propres mots. «Quelque chose devait sortir. Mais ce n'était pas clair. Jusqu'à ce que je pleure toutes les larmes de mon premier album sur le clavier à l'automne 2023 ».
Heureusement. Car « Imagine People as Adolescent Birds » est un recueil de sept chansons puissantes, de la musique sur la sororité et les réseaux féministes de champignons (« Mother Mushroom »), la colère (« Anger ») et la vie tel le sentiment que l'on éprouve en regardant des lignes électriques défiler en conduisant (« Powerlines »). La musique vient du plus profond du cœur, du bugle, de la contrebasse, des claviers, de la batterie, de la gorge. Le vomi dégouline de chaque syllabe, un mélange de peur, de naïveté, d'optimisme désespéré et de parfum de framboise :
«And we found a place in the spirits of Lourdes, Elizabeth and Bina, mothers of thought, sirens of Athena / We have the numbers down, no reason to feel deadened / If the age of the Earth is a year, humanity is 23 minutes old and patriarchy not even a second.»
(«Mother Mushroom»)«Imagine People as Adolescent Birds » est donc une sorte de cri de ralliement, emballé dans des mélodies douces-amères. La pop suinte des arrangements complexes ; il est magique de voir à quel point cette musique semble légère alors qu'elle transporte tant de choses. Avec ses compagnons·x·es de route très expérimenté·x·es Paul Butscher (ARBRE, etc.), Luzius Schuler (Dino Brandão, etc.), Tabea Kind (EDNA, etc.) et Eddy Sonnenschein (Eddy Sonnenschein's TIME, etc.), Sonia Loenne (BUREAU BUREAU, etc) donne vie à son projet solo Aino Salto : « Je me suis dit : je vais si souvent mal face au monde, et toustes les autres aussi - alors de quoi avons-nous besoin maintenant ? Des chansons heureuses, je me suis dit, ou au moins des choses énergiques sans résignation, sans ignorer le monde, mais aussi sans pleurer de désespoir ».
«Everything changes all the goddamn time / Shadows from walls turn to chalk / you write another line.»
(«Everything All At Once»)
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Nous avons créé le cloud pour nous connecter.
Mais à force de l’utiliser, nous nous oublions.
Avant les écrans, il y avait la présence:
La voix, la connexion par le regard.
WATCHA est un projet musical qui explore cette fracture entre le virtuel et le réel, et rappelle une chose simple:
Nous sommes des être humains avant d'être des données.
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Ich bin eine junge Singer-/Songwriterin aus der Zentralschweiz. Musik hat mich schon mein ganzes Leben lang begleitet und seit vielen Jahren ist auch das Songwriting eine grosse Leidenschaft von mir. Zudem begleite mich gerne selbst mit Gitarre und Keyboard.
Mit meinen Songs möchte ich Geschichten erzählen und Menschen berühren. Jeder Song beschreibt einen Moment von meinem Leben, sei es eine Erfahrung, eine Gefühlslage oder eine spezielle Erinnerung. Oft schreibe ich über schwere Themen, die in unserer Gesellschaft oft zu kurz kommen. Durch meine Ehrlichkeit möchte ich Menschen in schwierigen Situationen Hoffnung und Inspiration geben.Mit der Veröffentlichung von "My Own Way" anfangs 2023 und den darauf folgenden Songs erreichte ich es, meine Leidenschaft mit der Öffentlichkeit zu teilen. Mit meiner Debut EP "The Truth Is", welche im November 2023 folgte, erreichte ich einen weiteren Meilenstein.
2024 stand im Zeichen der Bühne: Zusammen mit meiner Band spielte ich zahlreiche Konzerte in der ganzen Schweiz und gewann unter anderem den Bounce-Preis am VorstadtSounds Festival in Zürich. Zudem spielten wir auf der Talent Stage beim Migros Hiking Sounds.Im Mai 2025 veröffentlichte ich meine zweite EP Miles. Der Titel steht nicht nur für physische Distanz, sondern auch für den inneren Weg und die vielen kleinen Schritte, die einen weiterbringen.
Das vergangene Jahr habe ich im Ausland verbracht und mich mehr auf mich selbst und meine Musik fokussiert. Am 1. Mai erscheint meine neue Single Without A Reason, ein Song über dieses Gefühl, wenn sich alles aufstaut und es einen plötzlich trifft.
Danke, dass ihr Teil dieser Reise seid.